Comedia y Grotesco

Estos cursos tienen carácter intensivo. Se demandará una participación activa del alumnado y su compromiso de lunes a viernes en horario de mañana.

Dos propuestas pedagógicas que parten del Movimiento, la máscara, la deformidad y el texto dramático con el objetivo de profundizar sobre estos dos géneros que forman la base de la creación contemporánea.

Los dos cursos se abordan desde tres pilares fundamentales:
– Movimiento: acrobacia, Elenco, Danza-Teatro, Técnica Vocal
– Interpretación
– Creación: todos los viernes se presenta al profesorado de la escuela las propuestas que los alumnos y alumnas han ensayado durante la semana dentro del horario lectivo.

3h de clase y 2h de auto-curso (ensayos sin profesor) de lunes a jueves. Todos los viernes se presentan las propuestas del alumnado.
Estos dos cursos se pueden realizar conjuntamente o de forma independiente.

Comedia y Grotesco. Personajes y estructuras.
Commedia dell’Arte y Comedia Humana.
Grotesco

Fechas y horarios: del 8 de enero al 12 de abril. 390 h aprox. (repartidas entre horas de clase, auto-cursos y creación)
De lunes a viernes de 9:30h a 15:30h.
Precio de los 2 cursos: 990€


Commedia dell’Arte y Comedia Humana

> COMEDIA <

Del 8 de enero al 15 de febrero de 2019
De lunes a viernes de 9:30h a 15:30h
Precio: 500€
Inscríbete AQUÍ

Profesores principales: Arturo Bernal, David Ojeda, Enrico Bonavera (Arlequino del Piccolo Teatro di Milano), Osel Gónzalez, Giancarlo Scalia.

Abordaremos la Commedia dell’Arte, la Comedia Humana y textos de Enrique Jardiel Poncela como punto de partida.
Con Enrico Bonavera se estudiarán los principales personajes de la Commedia dell’Arte con sus máscaras, lazzi,  estructuras físicas, apartes, etc.
Con David Ojeda se analizará el texto de Jardiel Poncela
Con Arturo Bernal se analizarán los arquetipos contemporáneos de la Comedia Humana y se trabajará con las medias máscaras construidas por el alumnado. Al mismo tiempo, aglutinará toda la información para guiar al alumnado en el proceso de creación.


Grotesco – Esperpento –

> GROTESCO <

Del 25 de febrero al 12 de abril de 2019
De lunes a viernes de 9:30h a 15:30h
Precio 600€
Inscríbete AQUÍ

Profesores principales: Arturo Bernal y David Ojeda.

Las referencias aquí son múltiples… en España lo podríamos llamar esperpento; con sus particularidades.
Hablamos de personajes con una deformidad psico-física, hablamos de la marginación, la obsesión, la psicopatía…
Se estudiará el género desde el gesto, desde sus personajes y estructuras dramáticas, y desde textos de Ramón María del Valle-Inclán.


Teatro a partir del Movimiento

Entrenamiento actoral

Entrenamiento actoral

Entrenamiento para actrices y actores.

Todos los miércoles
Horario 1: de 18:00h a 19:30h |
Horario 2: de 19:45h a 21:15h Precio 65€/mes (Alumnxs y ex alumnxs 50€)
Inscripciones
AQUÍ

Comunicación no-verbal | Movimiento | Dramaturgia
Composición | Presencia | Mimo de acción | Precisión

Entrenamiento actoral.
La conciencia psico-física del artista escénico debe estar siempre bien entrenada. Es necesaria una continua dedicación que le permita estar prepadadx para el hecho escénico.

Estas sesiones de entrenamiento actoral están guiadas por Arturo Bernal y contará con la colaboración de dramaturgxs, músicxs y directorxs de escena para completar la formación.

Entrenamiento actoral

Cursos trimestrales. Nivel 2

Teatro Físico, Teatro del Movimiento, Teatro Gestual

Antes de todo queremos destacar que los tres cursos trimestrales tienen un carácter intensivo. Se demandará una participación activa del alumnado y su compromiso de lunes a viernes en horario de mañana. 

Primer trimestre
Lenguajes Contemporáneos del Movimiento y Drama

Fechas y horarios: del 8 de octubre al 21 de diciembre. 330 h aprox. (repartidas entre horas de clase, auto-cursos y creación)
De lunes a viernes de 9:30h a 15:30h.

Profesores principales: Arturo Bernal, David Ojeda, Denise Perdikidis, Osel González, Giancarlo Scalia.
Colaboración de: Jana Pacheco

Viaje: 

CÓMIC la onomatopeya, la ciencia ficción, la construcción de seres imaginarios, la estética propuesta por el dibujante, etc… todo ello explorando el concepto de –actitud- (stop activo) como forma principal de narración.

NARRACIÓN ORAL nos lleva a las imágenes de esos cuentos o fábulas que son capaces de estimular la imaginación del público, esta vez a través del Movimiento.

LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO  ¿Cómo puedo hacer un plano secuencia en el teatro? o  ¿un plano corto? o ¿un plano general? Quizá un fundido o una persecución, quizá una imagen abstracta o aparentemente estática.

Estos 3 lugares dramáticos se desarrollan a través de lo que llamamos -mimo de acción- Un terreno que se centra en la precisión de la imagen, de la emoción y del juego. 

DANZA-TEATRO responsable Denise Perdikidis, artista y profesora reconocida que tiene como referente principal a Pina Bausch. El teatro coreográfico, la danza dramatúrgica… dos lugares que deben darse la mano.

AUDIOVISUAL – FISICIDAD; PERFORMANCE  no podemos olvidar la influencia de estos dos artes en la creación teatral contemporánea y daremos herramientas para que el alumnado pueda, si quiere, utilizarlo en sus creaciones.

Mientras se profundiza en el Movimiento; se preparará el terreno, una vez por semana, para la inclusión de la dramaturgia textual.  El melodrama y la tragedia contemporáneos entrarán en juego.

¿Cómo puedo crear un espectáculo dramático contemporáneo que incluya Danza-Texto, imagen audiovisual, Movimiento, Performance…?

 

Teatro Físico, Teatro del Movimiento, Teatro Gestual

 

Segundo trimestre
Comedia y Grotesco. Personajes y estructuras.

Fechas y horarios: del 8 de enero al 21 de abril. 390 h aprox. (repartidas entre horas de clase, auto-cursos y creación)
De lunes a viernes de 9:30h a 15:30h.

Profesores principales: Arturo Bernal, David Ojeda, Enrico Bonavera (Arlequino del Piccolo Teatro di Milano), Osel Gónzalez, Giancarlo Scalia.

Abordaremos la comedia “blanca” y la comedia “negra”  tomando como punto de partida la media máscara y la deformidad.

COMMEDIA DELL’ARTE con Enrico Bonavera,  estudiando los principales personajes con sus máscaras, lazzi,  estructuras físicas, apartes, etc.

COMEDIA HUMANA también con media-máscara pero, esta vez, construidas por los propios alumnos y analizando los arquetipos contemporáneos.  Esta etapa de comedia “blanca” finaliza con la adaptación de una escena de Jardiel Poncela utilizando la técnica del vodevil, la máscara y el texto pero descomponiendo su estructura original para puntualizar sobre la sensibilidad contemporánea… el feminismo, la homofobia o el racismo serán puestos, desde la comedia, sobre el escenario.

GROTESCO las referencias aquí son múltiples… en España lo podríamos llamar esperpento; con sus particularidades. En cualquier caso, aquí hablamos de personajes con una deformidad psico-física, hablamos de la marginación, la obsesión, la psicopatía. Al final del trimestre, una escena de Fernando Arrabal o Francisco Nieva será puesta en escena.

Comedia Humana. Media Máscara. Teatro Físico

Tercer trimestre
Bufón y Clown. La Tragicomedia y el Meta-teatro

Fechas y horarios: del 22 de abril al 21 de junio. 290 h aprox. (repartidas entre horas de clase, auto-cursos y creación)
De lunes a viernes de 9:30h a 15:30h.

Profesores principales: Arturo Bernal, Pablo Ibarluzea, Giancalro Scalia. Colaboración de: Jana Pacheco (Bellas Artes) y Ander García (Música).

BUFÓN DEL MISTERIO aquel que se sitúa en el nivel del semi-Dios, nos revela la decadencia de la sociedad humana y nos ayuda a evolucionar como especie.

BUFÓN CONTEMPORÁNEO el showman – la showwoman. La sátira y la burla.

CABARET el teatro más underground y canalla, sin duda alguna. Muy mal entendido en la mayoría de los casos.

TEATRO DE CALLE la fiesta, la crítica, la teatralidad. Recuperando al maestro de ceremonias, la banda y las acciones teatrales participativas.

CLOWN no es un personaje cómico, no es un paria y sobretodo no se esconde. La nariz roja revela la vulnerabilidad más escondida de cada artista.

La importancia que adquiere la plasticidad en estos dos estilos es, muchas veces, subestimada. Lo feo, lo dionisiaco necesita de una composición específica; pero lo ingenuo, lo tierno, lo extremadamente vulnerable; también. Referencias pictóricas hay muchas… por ejemplo… Brueghel, Goya, o Banksy.

 

Bufones. Teatro Gestual

Teatro a partir del Movimiento: teatro físico, teatro gestual, máscara, mimo, palabra, texto.

Del Movimiento al Texto dramático y al estilo

Escuela Teatro Gestual. Arturo Bernal

Curso de teatro. Monográfico Trimestral. Finalizado
> Histórico de Cursos

La Escuela de Teatro Gestual Arturo Bernal se apoya en la pedagogía del Movimiento de Jacques Lecoq evolucionando hacia la fusión con otras disciplinas. Una Escuela contemporánea que fusiona Teatro Físico con Palabra de forma equilibrada. Teatro Gestual, Físico, del Movimiento y Texto, se convierten en un solo Teatro

Consulta los cursos y monográficos programados

DEL MOVIMIENTO AL TEXTO DRAMÁTICO Y AL ESTILO

Del 3 de octubre al 15 de diciembre 2016
Director del Curso: Arturo Bernal
Profesor adjunto especialista en análisis activo del texto Miguel Cubero.
Profesora adjunta de técnica vocal Irene Martín.

Arturo Bernal imparte las materias Preparación psico-física al estilo,
Técnica Aplicada al Movimiento y Acción Interna y Montaje y Puesta en Escena. 

Teatro Gestual, Teatro Físico

 

El curso se basará en el estudio y montaje de “Una Doncella Para Un Gorila” de Fernando Arrabal, uno de los autores más representados en la escena teatral internacional.

Fernando Arrabal es, junto a Roland Topor y Alejandro Jodorowsky, fundador del Teatro Pánico; un movimiento caracterizado por su continua búsqueda de la perfección espacial, gestual y textual con claras influencias surrealistas.

“Una Doncella Para Un Gorila”, es un texto feminista que navega por el melodrama, el símbolo, el esperpento, la comedia y la tragedia con el único fin de contar mejor la historia de Hildegart, una niña prodigio que fue concebida por su madre Aurora como modelo de mujer del futuro.

> Asignaturas
> Preparación psico-física al estilo
> Técnica Vocal
> Análisis Activo del Texto
> Técnica Aplicada al Movimiento y Acción Interna
> Montaje y Puesta en Escena

> Horario
> Lunes de 17:30h a 21:30h
> Martes de 17:30h a 21:30h
> Jueves de 18:00h a 22:00h

PRECIO: 750 €
Para ex-alumnos y ex-alumnas: 690 €

Inscripción hasta el 23 de septiembre

Forma de pago
400€ antes del inicio del curso. 350 € antes del 14 de noviembre
Para ex-alumnos y ex-alumnas el segundo pago será de 290 €

Todos los cursos se imparten por Arturo Bernal en la
Escuela Internacional de Teatro Arturo Bernal de Madrid

Más información e inscripción info@escueladeteatroarturobernal.com

La máscara, el teatro y el siglo XXI. Máscaras teatrales

Máscaras teatrales

No se puede hablar de Máscaras teatrales sin nombrar a Jacques Lecoq, el gran maestro de actores del siglo XX que desencadenó una corriente teatral basada en el Movimiento. Con m mayúscula como él mismo decía.

El Movimiento provocó un cambio estructural en el teatro contemporáneo. Su escuela (entiéndase escuela como corriente pedartística) sigue construyendo a actores, escenógrafos, directores, dramaturgos, pedagogos. J. Lecoq fue el único que consiguió estructurar dentro de la pedagogía las exigencias del teatro contemporáneo.

Etienne Decroux y Marcel Marceau se basaron solo y exclusivamente en el mimo. Grandes artistas, sin duda. Grandes mimos que sin embargo no supieron establecer una pedagogía y UNIR el arte del mimo con el arte del teatro. J. Lecoq lo consiguió.

El teatro agonizante y anclado en el naturalismo del siglo XIX adquiere una renovación, un nuevo epicentro de formación. Si el arte del teatro existe es para poetizar sobre la vida y no para imitarla o representarla.
Traspasarla, adelantarse a los acontecimientos, abstraerla o sintetizarla es el objetivo y la máscara teatral, piedra angular de toda la pedagogía del Movimiento, guía hacia el objetivo. La transformación de ser humano para conectarse con otra realidad. ¿Qué es el teatro? Precisamente eso.

Máscaras teatrales

Máscara Neutra. Arturo Bernal
Máscaras Neutras

La primera máscara, la madre de todas ellas es la Máscara Neutra, rebautizada así, a partir de la máscara noble de Jean Dasté (discípulo aventajado de Jacques Copeau). La máscara noble llegó desde el teatro Noh japonés y se distinguía por aunar en su rostro equilibrio y acción. J. Lecoq la recogió, la rediseñó junto a Amleto Sartori (el primer mascarero teatral contemporáneo de occidente) y la rebautizó.

Sin duda, esta inclusión en su metodología otorgó el punto central de toda la corriente lecoquiana. El punto de equilibrio, la página blanca necesaria, la definición de acción FÍSICA, es decir, acción completa. Se creó un punto a través del cual, el desequilibrio tenía sentido. El desequilibrio, es el teatro en sí mismo y depende hacia dónde se desequilibre, se encuentra un estilo u otro.

Máscaras teatrales. Escuela de Teatro Arturo Bernal
Máscara Larvaria

El siguiente paso en el aprendizaje de la máscara, por tanto, es obvio. Máscaras que definan un primerizo y contundente desequilibrio. El paso debe ser gradual, el alumno debe encontrarse con la particularidad desde conceptos claros e inspiradores, con líneas de acción muy concretas. Aquí entran en juego las máscaras larvarias. Voluminosas, con formas que focalizan la atención en una personalidad potencial.
El maestro Lassaâd afirmaba que había dos maneras de explicar las máscaras larvarias. Una positiva y otra negativa. La negativa: seres que alguna vez habían sido humanos pero que se habían degradado con el tiempo. La positiva: seres que llegarían algún día a ser humanos.

Sigamos hacia el personaje, ahora se necesita una máscara que pueda albergar toda la paleta de colores que exige una hora de espectáculo. Las máscaras expresivas con un carácter definido, capaces de cambiar de expresión, de albergar mil ritmos y lo más importante, capaces de contradecirse, son las requeridas. La dimensión teatral de estas máscaras es equivalente a un personaje de Shakespeare, de Eugène Ionesco, de Fernando Arrabal.

En todas las categorías anteriores, el uso de la palabra no tiene aún lugar, son máscaras enteras, la voz no puede proyectarse. La proyección hacia el público es muda. Un estilo que ahonda en la poesía y en la imaginación, dónde solo el cuerpo del actor es el conductor de la comunicación. Un cuerpo vivo, despierto, que escucha desde los 5 sentidos y que, descubre , quizá por primera vez, su capacidad de expresión.

Media Máscara. Escuela de Teatro Arturo Bernal
Media Máscara. Máscara expresiva. Comedia Humana

Sin embargo, en la Comedia dell’Arte, utilizaban medias-máscaras. La boca del actor tenía libertad para emitir sonidos. Llegar a la voz cuando el cuerpo es capaz de sostenerla es la manera menos intelectual y más física posible. El mejor camino, teniendo en cuenta que la voz es física, es un gesto sonoro.
El siguiente escaño (no más o menos interesante) es la Comedia humana, nombre con el que J. Lecoq bautizó la Commedia del siglo XX. Personajes extraídos de la sociedad actual y para la sociedad actual.
Portar una máscara significa ponerse una máscara en la cara.

Máscara Expresiva. Escuela de Teatro Arturo Bernal Madrid
Máscara Expresiva

Pero no solo eso, a la definición hay que sumarle: conseguir que la máscara viva en escena. Precisamente este concepto es el éxito rotundo de este estilo teatral. Fascina al público cuando observa que la máscara parece que cambia de expresión en función de lo que el actor proyecte. La magia creada a partir de un objeto inanimado que al contacto con el movimiento y la emoción adecuados de un actor cobra vida.
¿Cómo es posible que, en un trozo de cuero o de papel maché, se intercambien diferentes expresiones tales como el miedo, la ira, la alegría o la sorpresa? La técnica guía hacia las respuestas. Su inclinación con respecto al resto del cuerpo, el nivel de tensión del actor, la repartición del color o la cantidad de formas impresas en el objeto. Pero, siempre hay “algo” misterioso, “algo” que siempre sorprende y es precisamente tener la sensación certera de que la máscara cambia, se Mueve. El teatro contemporáneo ya no será más unos tipos largando texto en un escenario sino poesía en Movimiento.

Máscara Expresiva. Escuela de Teatro Arturo Bernal
Máscara Expresiva

El concepto de máscara, se ha extrapolado sin barreras a cualquier objeto sobre el rostro. Unas gafas o un sombrero son objetos con una definición física que pueden identificar un carácter. ¿Cómo se movería una mujer con gafas redondas, pesadas y muy gruesas? Si la actriz no es sensible a la utilización del objeto como parte de la identidad del personaje, es mejor que no lo utilice, no aportaria nada más que una imagen abocada al desgaste en pocos segundos. Sin embargo, si el público entiende que ese personaje no sería el mismo sin el objeto, la caracterización cobra un sentido esencial e indispensable para la creación.
La manera de conseguir este objetivo es, indudablemente, adquirir físicamente las cualidades del objeto. Ante la aparente apocalipsis escénica del siglo XXI, el teatro debe ofrecer algo único. El carácter efímero es quizá lo más exclusivo. La máscara ofrece poesía efímera. El Movimiento en el objeto inanimado es teatral desde su origen y por definición. La máscara no funciona ni funcionará jamás en una pantalla.

La cámara mata los cambios de expresión. El rito nos conecta con los dioses y los demonios. Nos da la oportunidad de entrar en un mundo mágico, en un espectáculo en el que la carcajada y el llanto se despiertan en el espectador sin remedio ni fronteras.

Arturo Bernal

Denise Perdikidis

Escuela de Teatro Arturo Bernal

Escuela de Teatro Arturo BernalDANZA-TEATRO

Estudia expresión corporal (Maria Fux, Jean Loudez etc..) danza clásica y contemporánea en Madrid ampliando sus estudios en Francia , Inglaterra, y EEUU. Diplomada en el Laban Center for Movement and Dance de Londres. Estudia canto en la Escuela Superior de Canto de Madrid e Interpretación (carrera completa) en la Escuela Internacional del Actor Juan Carlos Corazza.

Coreógrafa invitada a THE PLACE THEATRE (Londres) con  “En Ningún Lugar” (1987). Coreografía posteriormente “Esodia” 1988, “Voces Sacras/ Tetartos” 1989, “Uti, non Abuti” 1990,  “Ascensores Reina Sofia I” 1992,  (MADRID CAPITAL EUROPEA DE LA CULTURA) , “Memoria del Olvido” 1994-95, “Estado Hormonal” 1998 (junto con Teresa Nieto, Elisa Morris, Margaret Jova), “A Pedir de Boca”, “Ascensores Reina Sofía II” 2013 etc…

Estos montajes han sido estrenados en festivales como MADRID EN DANZA, FESTIVAL DE OTOÑÓ, FESTIVAL DE TEATRO DE MERIDA, DANSA VALENCIA etc.. Así mismo se han representado en festivales en Francia, Suiza, Alemania, y EEUU.

Premio ADE a la mejor creación coreográfica de 1998 por “Estado Hormonal”, Finalista al mismo premio en 1994 por “Memoria del Olvido”.

Trabaja como actriz en el Centro Dramático Nacional con J.C. Plaza y M. Narros, Actúa en diversos montajes tales como “La Orestiada “, “La Bella Elena”, “Pessoa” (dir J.C. Plaza), “Marat-Sade” (dir. M. Narros), “Antigona” (dir. F. Suarez), “Hécuba” (dir. J.C. Plaza, 2014) etc..

Trabaja como coreógrafa y asesora de Movimiento Escénico en múltiples montajes teatrales dirigidos por J.C. Plaza, J. C. Corazza, F. Suarez, Emilio Hernández, Gustavo Tambascio, F. Vidal, Magui Mira….

Colabora en diversos montajes publicitarios y en la EXPO de LISBOA 98 , realiza la coreografía para la Ceremonia de Inauguración de los Mundiales de Atletismo en Sevilla 1999, asi como la Coreografía para la IX Ceremonia de Entrega de los Premios de la Música (Fundación Autor, SGAE) de 2005.

Ha impartido talleres en Holanda así como en Madrid , Sevilla, Malaga, y Granada en los siguientes centros: Estudio Karen Taft, Estudio de Arnold Taraborrelli, Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas, Centro Dramático Nacional, Centro de Estudios Escénicos de Andalucía. Así mismo ha sido profesora especialista de Interpretación Gestual en la RESAD durante la temporada 2003-2004 haciendose cargo del taller de fin de carrera de Interpretación Gestual y creando el montaje “Moiroloi”.  Ha ejercido la docencia en MOVIMIENTO ESCENICO en varias instituciones como ESCENICA (Centro de Estudios Escénicos de Andalucia, la Fundación BARENBOIM (Master en Estudios Orquestales, Preparación para la Escena), Escuela TAI (Master en Actuación Cinematográfica y de TV, Arte Dramático)., Laboratorio Teatral William Layton, Escuela Internacional de Mimo y Teatro Gestual Nouveau Colombier (Danza-Teatro) — etc..

Realiza la coreografía ASCENSORES REINA SOFIA II para los Asaltos de la Danza 2013, dentro de la celebración del Día Internacional de la Danza 2013.

Realiza el Movimiento Esceńico y la Coreografía de la Opera “JuanJose” (2016), de Pablo Sorozabal. Dir. JC Plaza, Produccioń TEATRO DE LA ZARZUELA.