Muestra Final 2022 EITAB

CREACIONES

Muestra final promoción 2022 | 22+23junio19:00h
Centro Cultural Casa de Vacas

2 días en los que les alumnes de segundo mostrarán los proyectos finales de creación de Drama Visual, Teatro Postdramático, Autoficción, Bufón del Misterio, Mimo narrador y Comedia Absurda.


> 22 de junio:
· Permíteme ser inútil. Creación de Catalina Imbarach
· Seres. Creación de Elur Olabide y Jorge Iglesias
· La nueva mestiza. Creación de Karla Monsalve
· El viaje de un Donut. Creación de Isabel Denzel. Con Renata Castro, Luna Gamez, Jorge Iglesias, Elur Olabide y Zales San Segundo
> 23 de junio:
· Las cosas que perdimos en el fuego. Creación de Karla Monsalve, Zales San Segundo y Jorge Iglesias
· Cought between masks. Creación de Renata Castro y Luna Gámez
· Depresión sonriente. Creación de Leire Baglietto

 

La pedagogía del Movimiento. Entrevista a Arturo Bernal

La pedagogía de esta escuela de referencia del Teatro Gestual en España, representa una evolución de la pedagogía que propuso Jacques Lecoq en el siglo pasado. Propone un aprendizaje interdisciplinar con el estudio de la Máscarala dramaturgia del MovimientoAcrobacia, Danza, Bufón, PerformanceAutoficciónClown, Teatro visual
Dos años de formación que profundiza en el estudio del cuerpo en movimiento en el espacio, durante el primer año, y en el segundo descubre los géneros y estilos.
Arturo Bernal es su director.

Arturo Bernal

Teniendo en cuenta el inicio de tu carrera y partiendo de que la pedagogía del Movimiento propuesta por Jacques Lecoq es para ti el punto de base de la creación escénica ¿Cuáles crees que son los pilares fundamentales que, después de 40 años, siguen intactos en la pedagogía que propuso, y cuales propones que deben ser revisados?
No podemos negar la gigantesca aportación que realizó Jacques Lecoq a la pedagogía teatral del s.XX. Fue el único que recogió, analizó y sistematizó toda una tradición que había sido perdida y olvidada. El triunfo del naturalismo en la escena europea provocó una hecatombe del denominado “gran teatro” y Jacques Lecoq supo que la teatralidad era mucho más compleja que la ausencia de código y de forma que proponía el naturalismo. Así, el Clown fue introducido por él. El Bufón también. El estudio de la Tragedia, la Máscara Neutra o Expresiva  y un largo etcétera.

Pero ya no estamos en el s.XX. Ya no existe la necesidad de recuperar un teatro perdido. Ahora la necesidad tiene que ver con aunar diferentes formas de pensamiento, con eliminar los dogmas y con descubrir  materias y vocabulario que completen la visión de un teatro total e inclusivo. En el s.XXI no podemos obviar términos que han cambiado nuestra manera de pensar como son: pre-expresividad, suceso, acción interna, gesto psicológico o atmósfera. Por otro lado; el teatro de objetos, la performance, el cabaret, el drama abstracto, la autoficción, el teatro documental…  son nuevas formas que abordamos dentro de los grandes géneros teatrales. Rompemos barreras, componemos un nuevo teatro acorde con la sensibilidad contemporánea, sin perder los orígenes del teatro gestual y toda la grandeza que ello conlleva.

¿Cuáles son los pilares de la enseñanza de tu escuela? ¿Dónde se inicia el recorrido y donde finaliza?
Nuestra pedagogía se basa en tres pilares fundamentales.
El primero es el Movimiento, aquel que guía todo el proceso de la escuela. Lo subdividimos en las materias de Danza Contemporánea, Técnica Vocal, Análisis de Movimiento cotidiano y extra-cotidiano, Coro e Improvisación Vocal y Elenco-Composición.
El segundo pilar es la Interpretación y la Improvisación, una materia que se imparte todos los días y que hace avanzar el programa.
El tercero nos define como escuela, es la Creación. Nosotros no formamos exclusivamente a intérpretes, también formamos a creadores y creadoras. Todas las semanas, sin excepción, el alumnado debe mostrar los trabajos que han preparado durante la semana. Un momento que permite llevar a lo consciente las herramientas adquiridas y las que aún quedan por comprender. La creación evoluciona con el programa y en el segundo año, las alumnas y los alumnos están en un continuo confrontamiento con el público con el fin de perfeccionar qué quieren decir y cómo lo quieren decir.

En el primer año de escuela profundizas en el estudio del cuerpo en Movimiento en el espacio. Se estudian las materias, los colores, los elementos, los animales, la naturaleza…. ¿Qué significa y cual es la importancia fundamental de la pre-expresividad y el fondo poético común?
El  término ortodoxo seria disponibilidad actoral aunque la palabra pre-expresividad me parece mucho más precisa. La pre-expresión puede definirse como la preparación psico-física, vocal, corporal y espacial que un artista escénico debe realizar para conseguir la excelencia interpretativa.  Desde este lugar, el proceso empieza con la máscara neutra, la madre de todas las máscaras y la que marca la base de todo el proceso de descubrimiento del cuerpo presente en el espacio. El estudio de la naturaleza y del arte es una consecuencia lógica del estudio de la máscara neutra. A través de la abstracción descubrimos el abecedario teatral y preparamos al cuerpo y a la voz para abordar los géneros teatrales. Los animales y los elementos nos acercan a la construcción de personaje, las materias a la atmósfera y a las calidades, los colores son el inicio del análisis del arte pictórico al servicio de la escena. Una monografía profunda que sienta la bases de la dinámica, la dramaturgia, la dirección y la interpretación.

Coreografía del Movimiento

De la tradición lecoquina, la máscara forma parte esencial del aprendizaje actoral. ¿Desde qué lugar propones el estudio de los diferentes tipos de máscaras?
Ahora mismo la máscara está de moda y compañías como Family Floz (máscara expresiva) o el Piccolo Teatro de Milano con su  “Arlequino, servidor de dos amos” giran por los cuatro rincones mostrando la grandeza de este teatro. Mi relación con las máscaras es muy estrecha… las descubrí en 1997; su magia me fascinó y me sigue fascinando hasta el día de hoy. Realizo personalmente algunas de las máscaras de mi escuela y establezco colaboraciones con mascareros de todo el mundo para dirigir el proceso de construcción. Mi objetivo es que las máscaras que “juegan” en mi escuela hayan pasado todas por mi mano. Quiero que la alumna y el alumno transiten por lugares ya transitados por mí.

¿Cada máscara descubre un lugar diferente al alumnado o se trata de lugares comunes?
Cada tipo de máscara propone una profundización sobre algún aspecto fundamental de la creación y la interpretación. La máscara neutra es presencia, disponibilidad, pre-expresión, espacio y tonicidad. La máscara larvaria es vulnerabilidad, ingenuidad, apertura, escucha, resonancia y transformación. La máscara expresiva es carácter, arquetipo y profundidad emocional. La media máscara y la commedia dell’arte abren la puerta a la comicidad, a la flexibilidad interpretativa, al juego, la necesidad, la supervivencia y la locura. Por último el clown, la máscara más pequeña del mundo, se dirige hacia uno mismo. Hacia la autoficción y la estupidez que todas llevamos dentro.

Muchas veces se relaciona al Bufón y el Clown como dos estilos paralelos, cuyo objetivo fundamental es la comedia ¿Cuál es tu visión?
En absoluto. Decir que el Clown y el Bufón son primos hermanos es la mayor mentira que recorre por los circuitos del teatro gestual. No, nada que ver. De hecho el Clown está mucho más cerca del Melodrama y el Bufón de la Tragedia. El objetivo del Clown es hacer reír. El objetivo del Bufón es ayudar a la humanidad, con comicidad o sin ella. El Clown es horizontal. El Bufón es vertical. El Clown habla de la estupidez de la persona. El Bufón es un ser cuasidivino de la más atronadora inteligencia. En fin, podría seguir estableciendo contrastes pero lo importante es que quede claro que estos dos estilos son el blanco y el negro, literalmente.

Tragedia. Antígona

En el segundo año de escuela se estudian los estilos: la Tragedia, el Melodrama, la Comedia, el Grotesco… ¿Cómo se aborda este trabajo?
Una de las particularidades de mi escuela es que cada género y cada estilo se asimilan de una manera distinta. No hay una sola forma que sea capaz de abordar un estudio tan poliédrico y complejo. En la Tragedia hacemos referencia a la imposibilidad de solucionar el conflicto, a la relación con el destino, al rito y la violencia. Sin embargo, en el Melodrama nos centramos en la verdad de la emoción, en el individuo y en las relaciones sociales. Más allá de simplificar en unas líneas el fondo de cada territorio, me gustaría destacar que lo más importante es que el alumnado entienda que, cada lugar, nos revela una parte esencial del teatro. Que cada territorio busca provocar algo muy distinto en el espectador y que es imprescindible pasar por todos ellos para encontrar las afinidades y los retos.

En la información de tu escuela se dice que no solo formáis a actores y actrices, también a iluminadores, dramaturgos, escenógrafos… a creadores y creadoras escénicos. Háblanos sobre esto
En el momento en el que estudias de manera objetiva la naturaleza, el arte pictórico, la música, las emociones o la abstracción no estás mostrando solamente las bases del teatro. Muestras también las bases del fondo y de la estética del Arte. Siempre digo que nuestro primer curso profesional representa al ARTE en mayúsculas y que el segundo año profesional se dedica exclusivamente al juego y la estructura teatral.

Espectáculo «Y sigo bailando» Creación de Arturo Bernal

Cuando conoces a un nuevo alumno supongo que intuyes muchas cosas ¿Cuáles son las cualidades más importante que debe tener una alumna o alumno para ser un futuro creador escénico?
Por supuesto que puedes intuir muchas cosas, pero esa intuición hay que dejarla un poco de lado. Lo que he aprendido con los años es que los alumnos y las alumnas tienen una capacidad abrumadora de sorprender, de girar 180 grados y de brillar en el momento menos esperado. Debo estar enamorado de mis alumnos, es la única manera para que ellos y ellas sean capaces de romper sus barreras. Que estén en un lugar de protección y libertad.

Las cualidades las van descubriendo con el paso del tiempo. Algunas personas son especialmente analíticas, otras tienen una gran capacidad de juego, otras son constantes y asertivas. No creo que haya unas cualidades únicas para ser creador o creadora… el teatro es tan amplio que caben muchas cualidades. Lo que sí puedo decir es que la pereza, el miedo y la incredulidad son los grandes enemigos y hay que gestionarlos bien para poder realizar con éxito los dos años de mi escuela.

¿Qué significa la Dramaturgia del Movimiento?
Es un término relativamente nuevo. Lleva usándose muchos años pero solamente ahora empieza a coger el terreno que siempre le perteneció. La dramaturgia del Movimiento es aquella que no parte de un texto dramático. ¿Entonces? Bueno, no hay una manera específica de crear a partir del Movimiento pero sí hay algunos criterios comunes. Es imprescindible usar referencias de algún tipo: pictóricas, fotográficas, objetuales … e igualmente imaginar una forma de abordar el trabajo. Todo ello con la vista puesta en qué quiero contar, por supuesto. Lo importante de una dramaturgia física es que el equipo humano no puede ser exclusivamente intérprete. Debe tener una gran capacidad para el juego, la improvisación, pero también para el análisis y la observación. La dramaturgia del Movimiento es utilizada constantemente en el terreno circense y en la danza. También en el teatro más abstracto o simbólico. Cada año tengo más alumnos procedentes de estos territorios y es un placer descubrir que las inquietudes artísticas son más complejas con las nuevas generaciones.

Para acabar. ¿Crees que el panorama de la formación teatral en España ha cambiado mucho desde que fuiste estudiante?
Mi etapa de estudiante fue hace más de 20 años y además me formé en Paris, Bruselas, Barcelona y Madrid, principalmente. Pero sí puedo decir que si hubiera existido una escuela como la mía no me hubiera ido tan lejos. Hace 20 años triunfaba el naturalismo y la formación psicologista. Había alguna escuela distinta pero no ofrecía la calidad que estaba buscando, por lo tanto, tuve que emigrar.  En estos momentos el paisaje es bien distinto, las inquietudes de los futuros artistas son más extensas y el psicologismo está empezando a ser residual, afortunadamente. Lo único que en estos momentos no me agrada en absoluto, es que no se prima la formación integral, sino por módulos o trimestrales. No creo que una formación seria pueda simplificarse tanto. En cualquier caso, la oferta en Madrid es enorme y eso crea un semillero inmejorable para el Arte en este país.


Link a la entrevista en Revista A Escena

Cabaret Bufo

El Cabaret Bufo es un espacio imaginado entre la sala de Tearo La Escalera de Jacob y la Escuela Internacional de Teatro Arturo Bernal. Un espacio que tendrá lugar un miércoles al mes, en el que los actores y actrices creadoras que se encuentran en formación o egresados de la Escuela, podrán mostrar sus trabajos y enfrentarse al público.

Cada sesión el show estará conducido por un maestro o maestra de ceremonias, tendrá un tema de base y estará compuesto por varios números de corta duración.

Podremos disfrutar de géneros que no se ven en los circuitos convencionales: Teatro de Máscara, Bufón contemporáneo, Clown, Acrobacia… Con los que podemos reír, llorar y, sobre todo, reflexionar. En formato Cabaret disfrutareis con apuestas originales que exploran los diferentes caminos de la Creación.

> SESIÓN SEPTIEMBRE: MIÉRCOLES 29, 21:00H

Participan:
– Zales San Segundo. «Deborah Smith» Dirección de Renata Castro. Máscara expresiva
Kai Sánchez. «El ello» Bufón Contemporáneo y «Libre como…» Bufón del Misterio
Angel Martin. «Yo, España» Bufón Contemporáneo.
– Marina Rodrigo como Maestra de Ceremónias 

> SESIÓN OCTUBRE: MIÉRCOLES 27 DE OCTUBRE, 21:00H
Participan:
Marta Velazquez y Marina Rodrigo. «La Flaca». Bufonas contemporáneas.
Estamos muy buenas, somos muy sexys y tenemos hambre. Una pieza sobre la gordofobia.
– Ángel Martín. «Samantha». Bufón contemporáneo.
Samantha manos de fuego busca Sugar Dady guapo y adinerado para pasar las tardes comiendo porras y por la noche te prepararé una cena romántica a la luz de las velas para finalmente comer unas buenas mazorcas asadas. Ven a conocerme.
– Renata Castro, Zales San Segundo e Isabel Denzel. «La Familia». Máscara expresiva.
Las batallas de una familia en su día a día.
– Lea Scholz, Jimena Villalba y Clara Levy-Falk. «Voces de papel».
5 palabras. 3 Voces. Una impro sonora.
– Carlota Rosón. «Quien te quiere te hará llorar». Bufona contemporánea.
Una férrea crítica a la dependencia emocional.
– Kai Sánchez. Maestro de ceremonias.


> SESIÓN NOVIEMBRE: MIÉRCOLES 24 DE NOVIEMBRE, 21:00H
Maestras de ceremonia: Renata Castro y Elur Olabide

Números:
– Respira, mi amor – historia de una cita.
Con Emeric de Sermet
Entre la ilusión y la realidad de una primera cita ideal, apasionada, salvaje, y quizás un poco bizarra.

– Tenía tanto que darte.
Con Leire Baglietto
Como afrontas la vida después de perderte en vida. Después de perder lo que mas querías.

– Las cosas que perdimos en el fuego.
Con Karla Monsalve, Jorge Iglesias y Zales San Segundo
Inspirado en la obra homónima de Mariana Enríquez.
Este cuento narra las repetidas agresiones homófobas que la enamorada pareja de Yupi y Jona sufre, narra como ambos quieren ponerle fin, cada uno a su manera y como se debaten las prioridades y la ética de estos personajes.

– Improvisación musical.
Con Lea Sholz, Allyriane Lekien y Clara Levy-Falk
Impro sonora a 3 voces acompañada de laúd y violoncello.

– Abarajame en la bañera.
Con Karla Monsalve y Catalina Imbarach
Un viaje de juego y fantasía como respiro del letargo y de la abrumadora rutina de la máquina laboral. La necesidad del encuentro.

Venta de entradas AQUÍ