Gestora cultural titulada por la UOC, técnico en producción de espectáculos en vivo por el CTE (INAEM) y licenciada en Drama por la Universidad de Kent (Canterbury, RU), en continúa formación teatral con maestros como Eugenio Barba y Jean-Jacques Lemêtre (Teatro del Soleil), los directores Luis Araújo, Vicente León y Luis Maluenda.
Ha trabajado como directora, regidora y productora para varias compañías y productoras de pequeño y gran formato desde 2002, con espectáculos representados en teatros como el Teatro Calderón, el antiguo Teatro Arenal, el Teatro Fígaro o el Teatro del Barrio, y varias salas de Madrid, con compañías y productoras como Wonderland Group en colaboración con la Warner Bros., y Let’s Go Entertainment en colaboración con el equipo de Tim Burton, entre otros.
Forma parte del equipo de Moviendo Teatro para el Festival MUEVE desde 2022, y para los Laboratorios Artísticos de Creación (LAC) desde 2023. Lleva a cabo varias producciones teatrales y eventos con Producciones Abrazadas
Dans leur société, chacun a sa place, son rôle, sa position… ce qui n’est pas le cas dans notre système. C’est pourquoi les bouffon.ne.s veulent nous aider : pour que nous sortions de notre torpeur. Ils veulent en finir avec la violence institutionnelle, les mauvais traitements, la guerre, la faim, la corruption, l’indifférence, l’ego… et ils ont la force de nous aider à travers la satire, le plaisir, la folie, l’ironie, l’agressivité et le jeu.
Une bande de bouffons est, avant tout, un groupe de personnes qui ont été complètement mises à l’écart de la société et qui prennent un plaisir fou à être ensemble.
-CONTENUS-
> SEMAINE 1 : Du besoin de collectivité au besoin de solitude – LA BANDE DES BOUFFONNES / BOUFFONS DU MYSTÈRE · Qu’est-ce qu’une bouffonne / un bouffon ? · Le corps de la bouffonne / du bouffon · La bande des bouffonnes / bouffons · La violence comme langage bouffonesque · La satire : rire des convictions les plus profondes
– LES BOUFFONNES / BOUFFONS CONTEMPORAINS. LA SOLITUDE · La bouffonne / le bouffon contemporain · La folie comme arme destructrice
> SEMAINE 2 : Création de Cabaret Bouffonesque – TRAGÉDIE, COMÉDIE ET DISTANCIATION DANS LA DRAMATURGIE BOUFFONESQUE · La tragédie et la comédie comme face et revers · La bouffonne / le bouffon veut aider. Distanciation
–PRÉSENTATION DU CABARET
CURSO DE BUFONES Y BUFONAS
Con Arturo Bernal
Del 5 al 16 de enero de 2026. Escuela Internacional de Teatro La Décole, Bruselas.
FINALIZADO
Horario: de lunes a viernes. 5 horas al día. 2 semanas | Total de horas: 50h
Experiencia organizada por Escuela Internacional de Teatro Décole (Bruselas) y Escuela Internacional de Teatro Arturo Bernal (Madrid)
En su sociedad, cada uno tiene su lugar, su rol, su posición… algo que no ocurre en nuestro sistema. Por eso los Bufones quieren ayudarnos para que despertemos de nuestra torpeza. Quieren acabar con la violencia institucional, los malos tratos, la guerra, el hambre, la corrupción, la indiferencia, el ego… y tienen la fuerza para ayudarnos a través de la sátira, el placer, la locura, la ironía, la agresividad y el juego.
Una banda de bufones es, en primer lugar, un grupo de personas que han sido apartadas por completo de la sociedad y que disfrutan locamente estando juntas.
–CONTENIDOS-
SEMANA 1: De la necesidad de colectividad a la necesidad de soledad – LA BANDA DE LAS BUFONAS / BUFONES DEL MISTERIO · ¿Qué es una bufona / un bufón? · El cuerpo de la bufona / del bufón · La banda de las bufonas / bufones · La violencia como lenguaje bufonesco · La sátira: reírse de las convicciones más profundas
– LAS BUFONAS / BUFONES CONTEMPORÁNEOS. LA SOLEDAD · La bufona / el bufón contemporáneo · La locura como arma destructiva
SEMANA 2: Creación de Cabaret Bufonesco – TRAGEDIA, COMEDIA Y DISTANCIAMIENTO EN LA DRAMATURGIA BUFONESCA · La tragedia y la comedia como cara y cruz · La bufona / el bufón quiere ayudar. Distanciamiento
– Horario: de lunes a viernes de 18:00h a 21:00h (Sesiones de 3 horas) – Precio: 300€
La Máscara Neutra nos servirá como herramienta para encontrar un lenguaje común, un cuerpo disponible y una página blanca a través de la que podamos escribir el personaje.
Este curso de Máscara Neutra se apoya en la capacidad de la Máscara teatral para descubrir un expresivo cuerpo escénico, que está ya más que comprobada. Gracias a su implantación en la pedagogía teatral universal por Jacques Lecoq, la Máscara ha ido adquiriendo la importancia que él mismo intuyó y desarrolló en su escuela parisina.
Hoy en día, su estudio es una parte esencial del recorrido del alumnado gracias a su eficacia como motor del movimiento, la acción y su consecuente emoción.
La Máscara Neutra despoja de particularidades al actor, elimina todo movimiento parásito y entra en el propio concepto de universalidad.
Destapa la verdadera naturaleza de la presencia escénica.
El objetivo de este recorrido específico es que el alumnado vivencie la importancia de construir un cuerpo disponible para el hecho escénico y a partir de él, impregnar la transformación psico-física necesaria para la construcción de un personaje, sin importar el estilo.
El curso se desarrollará en base a dos conceptos pedagógicos básicos. Por un lado, el alumnado entrará en un proceso de descubrimiento a través del riesgo y la vulnerabilidad. Por el otro, es necesario que su cuerpo adquiera formas y contenidos extra-cotidianos para poder abordar un trabajo teatral que le llevará directamente al suprarrealismo.
Somos una Escuela de Teatro ubicada en Madrid. Anualmente recibimos alumnas y alumnos de diversos países de Europa y Latinoamérica, como España, Brasil, Francia, Chile, Bélgica, Colombia, México, Italia, Portugal, Alemania o Argentina.
El programa pedagógico de la Escuela ofrece una formación integral enArtes Escénicas, enfocado en la práctica y en la pedagogía. Está adecuado para quienes buscan profundizar en la teoría y práctica escénica desde múltiples ángulos y disciplinas.
La temporada 2025-2026 comienza el 13 de octubre de 2025 y finaliza el 26 de junio de 2026. El primer año regular consta de tres Módulos de Teatro Físico. Se pueden cursar de forma independiente o los tres que equivale a un año académico completo. Una vez realizados los tres Módulos, se puede acceder a las formaciones de Especialización.
Una vez completada la formación modular, los alumnos y las alumnas que deseen formarse en pedagogía y hayan demostrado aptitudes, podrán realizar el curso de Especialización en Pedagogía de Teatro Físico.
FORMACIÓN EN TEATRO FÍSICO
TEMPORADA 2025-2026
Ofrecemos una formación modular abierta tanto a personas que quieran empezar a formarse en una Escuela de Teatro Físico como a aquellas que quieran conocer otra forma de acercarse a la escena desde el Movimiento, el Gesto y la psicofisicidad. Puedes realizar solamente el módulo que te interesa o cursar los tres módulos equivalentes a un año académico de formación regular.
Para acceder es necesario superar el proceso de selección que consta de un mínimo de 2 entrevistas personales con Arturo Bernal, director y maestro principal de la Escuela.
Al completar cada módulo se obtiene el título propio de Especialista en las materias correspondientes, y al completar los tres módulos el título propio (no homologado) de Diplomado en Interpretación.
Esquema de la formación
HORARIO De martes a viernes de 10:00h a 15:00h. 20 horas semanales, además de las horas de ensayo necesarias fuera del horario lectivo.
Materias
· Interpretación e Improvisación · Creación · Análisis de Movimiento · Composición y Elenco · Gramática Corporal
· Técnica Vocal · El objeto · Cabaret · Performance · Teatro Ritual · Danza-Teatro
ESPECIALIZACIÓN EN CREACIÓN DE TEATRO FÍSICO Y PRODUCCIÓN DE ESPECTÁCULOS
Desde un enfoque interdisciplinar se integrarán diferentes disciplinas del TEATRO FÍSICO: MÁSCARA, DANZA-TEATRO, MAGIA ESCÉNICA, OBJETOS, TÍTERE, CIRCO, DANZA, entre otros, con el fin de crear y producir un espectáculo que se presentará a público.
Abordaremos las diferentes etapas de creación, desde el particular discurso artístico de cada alumna y alumno hasta la producción y puesta en escena.
Postgrado eminentemente práctico abierto a aquellas personas que hayan cursado los tresMódulos de formación o que acrediten una extensa formación en el ámbito de las Artes Escénicas.
Al completar la formación se obtiene el título propio (no homologado) de Especialista en Dramaturgia Física y Creación Escénica.
Abierto exclusivamente a alumnas y alumnos que hayan cursado dos años académicos en nuestra escuela.
Con el objetivo de desarrollar la capacidad pedagógica del alumno, enfocando en su habilidad de transmitir conocimiento, éstos asistirán a todas las clases del primer curso impartidas por los diferentes pedagogas. En una tutoría semanal, se analizará el desarrollo y transmisión de la materia. Mensualmente el alumna elaborará una memoria del trabajo, supervisada por Arturo Bernal, y realizará prácticas activas y actividades paralelas.
Esta especialización pedagógica esta destinada a aquellas alumnos que han demostrado aptitudes pedagógicas en cursos anteriores.
Al completar la formación se obtiene el título propio (no homologado) de Diplomado en Pedagogía Teatral.
DURACIÓN: 9 MESES
HORARIO de martes a viernes de 10:00h a 15:00h. 20 horas semanales más turotias
La Máscara Neutra despoja de particularidades al actor, elimina todo movimiento parásito y entra en el propio concepto de universalidad.
Destapa la verdadera naturaleza de la presencia escénica.
Este curso será facilitado por Arturo Bernal y Nataliya Andru y esta dirigido a todos los cuerpos. No hace falta experiencia previa en danza y teatro físico. Trabajaremos con dinámicas que activan la atención, la disponibilidad física y la escucha necesarias para movilizar el cuerpo-espacio, que nutren la sensibilidad y enriquecen la relación entre los cuerpos.
Somos una escuela profesional independiente de enseñanzas de Arte Escénico. Nuestra pedagogía toma como base el Teatro del Movimiento (Jacques Lecoq) que incluye otras disciplinas de la escena como el Títere, la Danza, el Circo, la Magia o el Teatro Visual. Otorgamos un título propio de DIPLOMADO ESPECIALISTA EN ARTES ESCÉNICAS, CREACIÓN INTERDISCIPLINAR E INTERPRETACIÓN A PARTIR DEL MOVIMIENTO.
– La anarquía corporal, la fragmentación y la deformación: el cuerpo como espacio multiforme. – Polaridades: de Diógenes a Alejandro y viceversa. Los “otros” que me habitan. – Danzas sordidísimas: en el filo entre la atracción y la repugnancia, entre lo que incomoda y lo que fascina. – La dramaturgia del esperpento: Lo cíclico, lo espiral. El agujero negro emocional – De la imagen fea, al acto bello: la belleza no se rige por un canon.
«Conformista, vivo, intento vivir por imitación, por respeto a las reglas del juego, por horror a la originalidad. Resignación de autómata: poner cara de fervor y reírse secretamente: no plegarse a las convenciones más que para repudiarlas a escondidas; figurar en todos los registros, pero sin residencia en el tiempo; salvar la cara, cuando sería imperioso perderla. (…) ¿Para qué mostrar nuestra ruina si podemos fingir la prosperidad? ¿Por qué no insinuar en el discurso nuestras indecencias, nuestras humillaciones, nuestras muecas y nuestros suspiros? ¿Por qué no estar podrido, descompuesto, ser cadáver, ángel o Satán en el lenguaje de lo vulgar, y traicionar poéticamente tantos aéreos y siniestros vuelos?«
Emil Cioran, Brevario de podredumbre
¿Qué significa hoy encarnar un cuerpo imposible? Un cuerpo que no se somete a la legibilidad reguladora del deseo ni del sujeto político tradicional.
Abriremos formas de experiencia corporal que abrazan lo marginal, lo deforme, lo perturbador, no como patologías, sino como potencias de resistencia y creación.
Reflejaremos; con compasión pero sin medida; la incontenible violencia del ser humano contra el mundo que le rodea. Reflejaremos para curar heridas, para remover conciencias Radicalidad estética y política. Ofrecemos un marco donde el cuerpo en diálogo con la gravedad, las sensaciones físicas y la imaginación se abra a movimientos que no buscan belleza o sentido, sino que propician grietas, misterios y devenir de lo innombrable.
Este curso será facilitado por Arturo Bernal y Nataliya Andru y esta dirigido a todos los cuerpos. No hace falta experiencia previa en danza y teatro físico. Trabajaremos con dinámicas que activan la atención, la disponibilidad física y la escucha necesarias para movilizar el cuerpo-espacio, que nutren la sensibilidad y enriquecen la relación entre los cuerpos.
FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO FÍSICO Y ARTES DE CALLE, INOPINADO
MASTERCLASS DE COMEDIA CONTEMPORÁNEA
13 DE SEPTIEMBRE Con Arturo Bernal y Hugo Inácio
– Horario: de 14:00h a 19:00h (5 horas) – Lugar: R. de Fernandes Thomas 82, 3000-167 Coimbra, Portugal – Precio Masterclass: 70€ – Precio Masterclass + Workshop de «Bufón Contemporáneo y Cabaret»: 280€ Dirigido a estudiantes y profesionales de las Artes Escénicas, mayores de 18 años
La Masterclass finaliza con un pasacalles en el centro de Coimbra.
En esta Clase Magistral nos adentraremos en la comedia más loca, delirante, ingenua y popular. La Media Máscara nos ayudará a comprender los principios de la comedia, la construcción de personajes, el tempo-ritmo y la acción.
La comedia no existe si el público no se ríe.
Abordaremos el tipo de comunicación con el público, dentro del género cómico, para que podamos ser precisos en cada en una de las representaciones.
Arturo Bernal Director de la Escuela Internacional de Teatro Arturo Bernal de Madrid Hugo Inácio Director del proyecto Escuela de Teatro Físico SA.LA en Coimbra
WORKSHOP DE BUFÓN CONTEMPORÁNEO Y CABARET
del 15 al 19 DE SEPTIEMBRE Con Arturo Bernal
– Horario: de 14:00h a 19:00h (25 horas) – Lugar: R. de Fernandes Thomas 82, 3000-167 Coimbra, Portugal – Precio Workshop: 250€ – Precio Workshop de «Bufón Contemporáneo y Cabaret» + Masterclass: 280€
Dirigido a estudiantes y profesionales de las Artes Escénicas, mayores de 18 años
El bufón contemporáneo es el showman – la showwoman. La sátira y el disfrute. El Cabaret el teatro más underground y canalla, sin duda. Muy mal entendido en la mayoría de los casos.
Para comprender la dimensión teatral del Bufón es necesario adentrarse en su misterio. El misterio de los deformes. Las personas marginadas, lisiadas o desmembradas causan mucho daño a la sociedad. Más que repulsión provocan disgusto, desprecio y un sentimiento colectivo de superioridad, tanto física como psíquica.
Ante esta situación de abandono, el hombre deforme, sin embargo, se encontró a lo largo de la historia un buen campo fértil donde ganarse la vida: el circo, las ferias… o si no, al servicio de la alta nobleza, la alta jerarquía eclesiástico o la realeza. El objetivo del bufón no es burlarse de la sociedad, sino intentar ayudarla. El bufón es un vidente inteligente, capaz de revelar las atrocidades de la humanidad, desafiando al espectador a despertar de su letargo. ¿Quién sino él puede gritar las crueles verdades que asolan el mundo sin ser quemados en la hoguera, y aun así logran ser escuchados? El espectador se deja interpelado por él. Al igual que el rey, que sólo permitía que su bufón se riera de él. Este es el trabajo básico que se debe hacer con los estudiantes: eliminar lo más rápidamente posible la idea preconcebida que proviene de un estigma – deformado = mentalmente deficiente.
CONTENIDO > Técnica aplicada al movimiento. · Líneas psicofísicas y espaciales propias del estilo · Uso del cuerpo deformado · Plasticidad · Crueldad · Distanciamiento > Improvisación · Deformidad e inteligencia · Locura, ritual y trance · Banda de bufones y jerarquía · Tema y denuncia · Veracidad y desapego
Somos una Escuela de Teatro Físico de referencia en Europa. Representamos a una nueva generación de pedagogos del Movimiento que elimina el dogma y la ortodoxia para dar un paso más en la comprensión del teatro como un arte total. Un equipo de pedagogos especialistas en Artes Marciales, Mimo, Análisis Activo del Texto, Títere, Danza-Teatro, Composición y Elenco, Técnica vocal, Prosodia; con una profunda convicción de que el teatro debe abordarse desde su fisicidad, desde el gesto y la voz en el espacio.
Formamos a actrices y a actores; pero también a directoras, dramaturgas, escenógrafos o iluminadoras porque la sensibilidad actual poco tiene que ver con generaciones pasadas. Las vanguardias actuales no entienden de purismos, etiquetas, sectas o repertorios atados a la tradición. La tecnología, la interdisciplinariedad, las nuevas dramaturgias; en definitiva, la heterodoxia rige los acontecimientos artísticos actuales.
Somos una Escuela internacional, profesional, privada e independiente de Teatro Físico. Nuestra base pedagógica es la propuesta por Jacques Lecoq en los años 50 del siglo pasado. Supone una evolución adaptándola a las nuevas necesidades y sensibilidades escénicas. Una pedagogía enfocada hacia la creación, dirigida a artistas que buscan su propio lenguaje en la escena, buscando la hibridación de estilos.
Anualmente recibimos alumnas y alumnos de diversos países de Europa y Latinoamérica, como España, Brasil, Francia, Chile, Bélgica, Colombia, México, Italia, Portugal, Alemania o Argentina.
La pedagogía de esta escuela de referencia del Teatro Gestual en España, representa una evolución de la pedagogía que propuso Jacques Lecoq en el siglo pasado. Propone un aprendizaje interdisciplinar con el estudio de la Máscara, la dramaturgia del Movimiento, Acrobacia, Danza, Bufón, Performance, Autoficción, Clown, Teatro visual… Arturo Bernal es su director.
Arturo Bernal
Teniendo en cuenta el inicio de tu carrera y partiendo de que la pedagogía del Movimiento propuesta por Jacques Lecoq es para ti el punto de base de la creación escénica ¿Cuáles crees que son los pilares fundamentales que, después de 40 años, siguen intactos en la pedagogía que propuso, y cuales propones que deben ser revisados? No podemos negar la gigantesca aportación que realizó Jacques Lecoq a la pedagogía teatral del s.XX. Fue el único que recogió, analizó y sistematizó toda una tradición que había sido perdida y olvidada. El triunfo del naturalismo en la escena europea provocó una hecatombe del denominado “gran teatro” y Jacques Lecoq supo que la teatralidad era mucho más compleja que la ausencia de código y de forma que proponía el naturalismo. Así, el Clown fue introducido por él. El Bufón también. El estudio de la Tragedia, la Máscara Neutra o Expresiva y un largo etcétera.
Pero ya no estamos en el s.XX. Ya no existe la necesidad de recuperar un teatro perdido. Ahora la necesidad tiene que ver con aunar diferentes formas de pensamiento, con eliminar los dogmas y con descubrir materias y vocabulario que completen la visión de un teatro total e inclusivo. En el s.XXI no podemos obviar términos que han cambiado nuestra manera de pensar como son: pre-expresividad, suceso, acción interna, gesto psicológico o atmósfera. Por otro lado; el teatro de objetos, la performance, el cabaret, el drama abstracto, la autoficción, el teatro documental… son nuevas formas que abordamos dentro de los grandes géneros teatrales. Rompemos barreras, componemos un nuevo teatro acorde con la sensibilidad contemporánea, sin perder los orígenes del teatro gestual y toda la grandeza que ello conlleva.
¿Cuáles son los pilares de la enseñanza de tu escuela? ¿Dónde se inicia el recorrido y donde finaliza? Nuestra pedagogía se basa en tres pilares fundamentales. El primero es el Movimiento, aquel que guía todo el proceso de la escuela. Lo subdividimos en las materias de Danza Contemporánea, Técnica Vocal, Análisis de Movimiento cotidiano y extra-cotidiano, Coro e Improvisación Vocal y Elenco-Composición. El segundo pilar es la Interpretación y la Improvisación, una materia que se imparte todos los días y que hace avanzar el programa. El tercero nos define como escuela, es la Creación. Nosotros no formamos exclusivamente a intérpretes, también formamos a creadores y creadoras. Todas las semanas, sin excepción, el alumnado debe mostrar los trabajos que han preparado durante la semana. Un momento que permite llevar a lo consciente las herramientas adquiridas y las que aún quedan por comprender. La creación evoluciona con el programa y en el segundo año, las alumnas y los alumnos están en un continuo confrontamiento con el público con el fin de perfeccionar qué quieren decir y cómo lo quieren decir.
En el primer año de escuela profundizas en el estudio del cuerpo en Movimiento en el espacio. Se estudian las materias, los colores, los elementos, los animales, la naturaleza…. ¿Qué significa y cual es la importancia fundamental de la pre-expresividad y el fondo poético común? El término ortodoxo seria disponibilidad actoral aunque la palabra pre-expresividad me parece mucho más precisa. La pre-expresión puede definirse como la preparación psico-física, vocal, corporal y espacial que un artista escénico debe realizar para conseguir la excelencia interpretativa. Desde este lugar, el proceso empieza con la máscara neutra, la madre de todas las máscaras y la que marca la base de todo el proceso de descubrimiento del cuerpo presente en el espacio. El estudio de la naturaleza y del arte es una consecuencia lógica del estudio de la máscara neutra. A través de la abstracción descubrimos el abecedario teatral y preparamos al cuerpo y a la voz para abordar los géneros teatrales. Los animales y los elementos nos acercan a la construcción de personaje, las materias a la atmósfera y a las calidades, los colores son el inicio del análisis del arte pictórico al servicio de la escena. Una monografía profunda que sienta la bases de la dinámica, la dramaturgia, la dirección y la interpretación.
Coreografía del Movimiento
De la tradición lecoquina, la máscara forma parte esencial del aprendizaje actoral. ¿Desde qué lugar propones el estudio de los diferentes tipos de máscaras? Ahora mismo la máscara está de moda y compañías como Family Floz (máscara expresiva) o el Piccolo Teatro de Milano con su “Arlequino, servidor de dos amos” giran por los cuatro rincones mostrando la grandeza de este teatro. Mi relación con las máscaras es muy estrecha… las descubrí en 1997; su magia me fascinó y me sigue fascinando hasta el día de hoy. Realizo personalmente algunas de las máscaras de mi escuela y establezco colaboraciones con mascareros de todo el mundo para dirigir el proceso de construcción. Mi objetivo es que las máscaras que “juegan” en mi escuela hayan pasado todas por mi mano. Quiero que la alumna y el alumno transiten por lugares ya transitados por mí.
¿Cada máscara descubre un lugar diferente al alumnado o se trata de lugares comunes? Cada tipo de máscara propone una profundización sobre algún aspecto fundamental de la creación y la interpretación. La máscara neutra es presencia, disponibilidad, pre-expresión, espacio y tonicidad. La máscara larvaria es vulnerabilidad, ingenuidad, apertura, escucha, resonancia y transformación. La máscara expresiva es carácter, arquetipo y profundidad emocional. La media máscara y la commedia dell’arte abren la puerta a la comicidad, a la flexibilidad interpretativa, al juego, la necesidad, la supervivencia y la locura. Por último el clown, la máscara más pequeña del mundo, se dirige hacia uno mismo. Hacia la autoficción y la estupidez que todas llevamos dentro.
Muchas veces se relaciona al Bufón y el Clown como dos estilos paralelos, cuyo objetivo fundamental es la comedia ¿Cuál es tu visión? En absoluto. Decir que el Clown y el Bufón son primos hermanos es la mayor mentira que recorre por los circuitos del teatro gestual. No, nada que ver. De hecho el Clown está mucho más cerca del Melodrama y el Bufón de la Tragedia. El objetivo del Clown es hacer reír. El objetivo del Bufón es ayudar a la humanidad, con comicidad o sin ella. El Clown es horizontal. El Bufón es vertical. El Clown habla de la estupidez de la persona. El Bufón es un ser cuasidivino de la más atronadora inteligencia. En fin, podría seguir estableciendo contrastes pero lo importante es que quede claro que estos dos estilos son el blanco y el negro, literalmente.
Tragedia. Antígona
En el segundo año de escuela se estudian los estilos: la Tragedia, el Melodrama, la Comedia, el Grotesco… ¿Cómo se aborda este trabajo? Una de las particularidades de mi escuela es que cada género y cada estilo se asimilan de una manera distinta. No hay una sola forma que sea capaz de abordar un estudio tan poliédrico y complejo. En la Tragedia hacemos referencia a la imposibilidad de solucionar el conflicto, a la relación con el destino, al rito y la violencia. Sin embargo, en el Melodrama nos centramos en la verdad de la emoción, en el individuo y en las relaciones sociales. Más allá de simplificar en unas líneas el fondo de cada territorio, me gustaría destacar que lo más importante es que el alumnado entienda que, cada lugar, nos revela una parte esencial del teatro. Que cada territorio busca provocar algo muy distinto en el espectador y que es imprescindible pasar por todos ellos para encontrar las afinidades y los retos.
En la información de tu escuela se dice que no solo formáis a actores y actrices, también a iluminadores, dramaturgos, escenógrafos… a creadores y creadoras escénicos. Háblanos sobre esto En el momento en el que estudias de manera objetiva la naturaleza, el arte pictórico, la música, las emociones o la abstracción no estás mostrando solamente las bases del teatro. Muestras también las bases del fondo y de la estética del Arte. Siempre digo que nuestro primer curso profesional representa al ARTE en mayúsculas y que el segundo año profesional se dedica exclusivamente al juego y la estructura teatral.
Espectáculo «Y sigo bailando» Creación de Arturo Bernal
Cuando conoces a un nuevo alumno supongo que intuyes muchas cosas ¿Cuáles son las cualidades más importante que debe tener una alumna o alumno para ser un futuro creador escénico? Por supuesto que puedes intuir muchas cosas, pero esa intuición hay que dejarla un poco de lado. Lo que he aprendido con los años es que los alumnos y las alumnas tienen una capacidad abrumadora de sorprender, de girar 180 grados y de brillar en el momento menos esperado. Debo estar enamorado de mis alumnos, es la única manera para que ellos y ellas sean capaces de romper sus barreras. Que estén en un lugar de protección y libertad.
Las cualidades las van descubriendo con el paso del tiempo. Algunas personas son especialmente analíticas, otras tienen una gran capacidad de juego, otras son constantes y asertivas. No creo que haya unas cualidades únicas para ser creador o creadora… el teatro es tan amplio que caben muchas cualidades. Lo que sí puedo decir es que la pereza, el miedo y la incredulidad son los grandes enemigos y hay que gestionarlos bien para poder realizar con éxito los dos años de mi escuela.
¿Qué significa la Dramaturgia del Movimiento? Es un término relativamente nuevo. Lleva usándose muchos años pero solamente ahora empieza a coger el terreno que siempre le perteneció. La dramaturgia del Movimiento es aquella que no parte de un texto dramático. ¿Entonces? Bueno, no hay una manera específica de crear a partir del Movimiento pero sí hay algunos criterios comunes. Es imprescindible usar referencias de algún tipo: pictóricas, fotográficas, objetuales … e igualmente imaginar una forma de abordar el trabajo. Todo ello con la vista puesta en qué quiero contar, por supuesto. Lo importante de una dramaturgia física es que el equipo humano no puede ser exclusivamente intérprete. Debe tener una gran capacidad para el juego, la improvisación, pero también para el análisis y la observación. La dramaturgia del Movimiento es utilizada constantemente en el terreno circense y en la danza. También en el teatro más abstracto o simbólico. Cada año tengo más alumnos procedentes de estos territorios y es un placer descubrir que las inquietudes artísticas son más complejas con las nuevas generaciones.
Para acabar. ¿Crees que el panorama de la formación teatral en España ha cambiado mucho desde que fuiste estudiante? Mi etapa de estudiante fue hace más de 20 años y además me formé en Paris, Bruselas, Barcelona y Madrid, principalmente. Pero sí puedo decir que si hubiera existido una escuela como la mía no me hubiera ido tan lejos. Hace 20 años triunfaba el naturalismo y la formación psicologista. Había alguna escuela distinta pero no ofrecía la calidad que estaba buscando, por lo tanto, tuve que emigrar. En estos momentos el paisaje es bien distinto, las inquietudes de los futuros artistas son más extensas y el psicologismo está empezando a ser residual, afortunadamente. Lo único que en estos momentos no me agrada en absoluto, es que no se prima la formación integral, sino por módulos o trimestrales. No creo que una formación seria pueda simplificarse tanto. En cualquier caso, la oferta en Madrid es enorme y eso crea un semillero inmejorable para el Arte en este país.
Compra tus entradas a través del siguiente formulario. Por cada entrada recibirás una bebida y un abanico para suavizar el calor.
El Bufón no se burla de la sociedad, intenta ayudarla reflejándola de forma irreverente.
Es un vidente inteligente que utiliza la sátira y el humor para desvelar las atrocidades de la humanidad. Increpa al espectador para que despierte de su adormilamiento, mostrando con irreverencia las verdades de una sociedad polarizada y cada vez más enferma. ¿Quién sino el Bufón puede gritar las crueles verdades que asolan al mundo, consiguiendo que le escuchen sin ser repudiado? El espectador se lo permite de igual forma que el rey permitía solamente a su Bufón mostrar los defectos de su persona.
En escena veremos ejemplos de como la humanidad discrimina a las personas diferentes, a las que no siguen los cánones de belleza, de comportamiento o de ideas. Veremos a un grupo de seres marginados injustamente, venidos para ayudarnos a entender la deformidad como una oportunidad de denuncia y de curación, despertando conciencias desde un lugar irreverente y humorístico.
Ellos y ellas habitan en un mundo sin velos, sin tapujos, sin hipocresía. Un mundo en el que el amor por uno mismo y por los demás está por encima de cualquier diferencia.
Este espectáculo de Cabaret es una creación realizada en una semana de trabajo con la guía y dirección de Arturo Bernal, acompañado por Darío Sigco y Giulia Varotto.
Con Darío Sigco Sábado 12 y domingo 13 de julio de 2025 (Total 10 horas) Horario: – Sábado de 10:00h a 14:00h y de 15:00h a 18:00h – Domingo de 11:00h a 14:00h Precio 150€ FINALIZADO
Un fin de semana intensivo para explorar el lenguaje físico y poético de la Máscara Larvaria. Dirigido a toda persona interesada en el universo de la Máscara, el juego escénico y la Creación colectiva, con o sin experiencia previa. Actores, Performers, Docentes…
La última hora del curso, el domingo, realizaremos una intervención de calle en el barrio de Lavapiés
Una inmersión práctica en el lenguaje de la Máscara Larvaria, una forma escénica nacida en el seno del Teatro Físico europeo, con raíces en el trabajo del Movimiento y la escucha del cuerpo colectivo.
Durante dos jornadas intensivas (sábado mañana y tarde, domingo mañana), nos adentraremos en un proceso de exploración y creación con Máscaras Larvarias, partiendo de sus bases técnicas hasta llegar a una intervención final en el espacio público.
La Máscara Larvaria, con sus formas esenciales y primitivas, nos invita a suspender el juicio, a redescubrir el cuerpo en su estado más orgánico y a dialogar con lo arquetípico, lo no verbal, lo profundo. No es un personaje acabado, sino un principio: una semilla que, al ponerse en movimiento, revela posibilidades escénicas inesperadas.
Contenidos del taller: · Principios de movimiento aplicados al trabajo con máscara · Introducción a la Máscara Larvaria: historia, usos y lenguaje físico · Juegos e improvisaciones para descubrir la poética de cada forma · Proceso colectivo de creación de escenas breves · Preparación y ensayo de una muestra callejera
La Máscara Neutra despoja de particularidades al actor, elimina todo movimiento parásito y entra en el propio concepto de universalidad.
Destapa la verdadera naturaleza de la presencia escénica.
Este curso será facilitado por Arturo Bernal y Nataliya Andru y esta dirigido a todos los cuerpos. No hace falta experiencia previa en danza y teatro físico. Trabajaremos con dinámicas que activan la atención, la disponibilidad física y la escucha necesarias para movilizar el cuerpo-espacio, que nutren la sensibilidad y enriquecen la relación entre los cuerpos.
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